DJ Will's

   
 
採訪撰文 : DJ Will 張譽鐘 / 版權所有 : 願境網訊股份有限公司 
更多專輯樂評https://www.kkbox.com/tw/tc/column/authors-0-222-1.html

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採訪撰文 : DJ Will 張譽鐘 / 版權所有 : 願境網訊股份有限公司 
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如果你是一名導演，想找一位現役歌手翻拍他( 她) 的傳記故事，在你心目中的第一人選會是誰? 我心目中屬意的這位，她在「美國偶像」第三季，以第一名的實力和評審的咏讚聲中，因為天災導致電訊無法正常傳送，最終在簡訊投票以第七名草草終結了原本屬於她的成名在望，而在製作人一片的好評和安慰聲中，遲遲等不到任何機會，最後靠著幾年沉潛的再努力和堅持，為自己爭取到電影夢幻女郎Beyoncé身旁的配角，不但沒有被女王的氣勢給震懾下去，反倒更勝一籌的破繭而出，而有目共睹的實力，也終於獲得回報、如願以償的發行了首張廣受好評的個人專輯。

但老天爺給他的考驗似乎還不打算結束，就在她站上生涯高峰以後，摯親遭逢滅門的悲劇，再度讓她的演藝生涯和人生陷入谷底⋯⋯而現在的她，不僅沒有被命運擊垮， 卻依舊帶著她那超乎常人的正面能量， 用她更勝於好萊塢編劇的真實人生歷練繼續演唱下去，她就是Jennifer Hudson。

睽違三年後的第三張作品【JHUD】，既不把主軸放在慢版抒情單曲的強項，也一併否決追逐市場當紅的當代節奏藍調或流行電子舞曲，反其道而行的把大量七零年代的迪斯可和放克曲風導入新作當中。開場的《Dangerous》僅用襯底的貝斯和鼓點的輪迴營造出簡約冷調，搭上Jennifer 牛刀小試的淡定唱腔迎合主題，為專輯的復古曲風做出定調，算是一道稱職的前菜。《It's Your World》請來R. Kelly 把招牌拿手好菜R&B Disco 曲風端上桌，兩個人駕輕就熟的在彈跳的節奏韻律上自由奔放，無論是在A、B段設計的對話，甚至進入C段時的火力互尬，都讓人大呼精彩過癮。

《Walk It Out》Timberland 再度用精準的人聲音階拼貼，隨著Jennifer情緒漸進的層次累積演唱，抓住你熟悉的味蕾，而在開頭和結尾的部分，還不忘自我美面一番地重複播放「你應該找一個知道如何把你的每個錄音，做最好應用的製作人才對」的電器人聲，也算是單曲中的另類幽默。進入專輯尾段，逐步放緩步調的靈魂抒情單曲《Bring Back the Music》收斂的演繹詮釋，展現出有別於以往大鳴大放的弛放溫潤氣息。而正當你為了Jennifer無法完全施展強大演唱威能而感到惋惜的時候，《Moan》承襲了《And I Am Telling You I'm Not Going》有過之而無不及的故事性和渲染力，為專輯做出了精彩無比的收尾。

Jennifer Hudson乖桀的人生起伏，造就了她今日非凡的獲得，她沒有選擇販賣自己的悲傷過往和負面情緒，反倒用熱愛的音樂走出傷痛、傳達更多的愛給和喜樂給聽眾，至於市場的評價和賣座與否早已不是重點，因為她已經為自己定義了不凡的高度。

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一個好的樂團組合，擁有鮮明的特色和定位、均衡的分工發展和內容為王的優質創作，都是在市場上獲得聽眾青睞的關鍵，然而多數的樂團，在面對市場風向飄忽不定和流行趨勢的雙重壓力下，往往面臨最大的困境，就是在迎合和守舊之間的內心角力，少數能夠成功找到甜蜜點的，就能夠名利雙贏，而在天秤兩端失去重心的，輕則流失歌迷、重則拆夥解散。至於他們，正是往流行趨勢再更靠進一步的範例，他們是Maroon 5。

從2002年的首張專輯【Songs About Jane】開始，Maroon 5以放克、藍調和靈魂樂，融入令人朗朗上口的流行搖滾而一戰成名。主唱Adam Levine姣好的外型和演唱魅力，也在2011年被美國好聲音「The Voice」節目相中，擔任導師的角色，自此隨著扶搖直上的人氣而蠢蠢欲動的獨特嗓音，也開始不甘寂寞地以個人的姿態，尋求更多主流音樂類型的嘗試和合作，如《Stereo Hearts》的Gym Class Heroes、《Moves like Jagger》的Christina Aguilera、《My Life》的50 Cent、《Payphone》的Wiz Khalifa，而當這些嘗試每每都獲得高度正面的回應，也讓身為樂團核心的他，帶領團隊走向流行市場的懷抱，更顯得順理成章。

揭開專輯序目的《Maps》延續了前述幾首熱銷單曲的勝利方程式，在開頭一樣以輕擊的節拍、點綴著不斷輪迴和弦彈奏，在進入副歌後，一次加重所有配器的力道，營造出層次，而動感彈跳的底韻搭上Adam每個斷句刻意的騷挑更顯得對味。《It Was Always You》合成器聲響的漂浮縈繞感，和歌詞描述揮之不去思緒，也作了很好的聯結，轉進B段，濃厚的電子重拍和音效置入是以往少見的編排，但進到副歌以後，又可以再次聽到熟悉的節奏吉他和主唱的吟唱，這樣新舊並蓄的創新嘗試，挑戰的是團員們的口味限制。《Sugar》的復古Disco Pop曲風和行進的方式，讓人聯想到Katy Perry的《Last Friday Night》和《Birthday》，雖然恰如其分地演唱著，但似乎少了那麼一點靈性，有一種女歌男唱、非戰之罪的可惜。而同樣在Disco Funk分野的《Feelings》無論是在情緒的收放，或者聲音表情的演繹，就相對到位和過癮許多。最後在經歷一連串Up Tempo單曲的高漲情緒，用沉靜內斂的民謠情歌《Lost Star》收尾，更能反映出返璞歸真的耐聽和動人。

追逐流行改變從來就不是一件輕鬆的事情，更有可能成為吃力不討好的白費力氣，Maroon 5的演進並不是漫無目的的趕潮而已，而是和Adam Levine的際遇有著相當緊密的連動關係，最後也期待他在晉升為人夫之後，下一步會帶給樂團什麼樣的衝擊和化學效應。

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英國BBC所評選出來的年度新聲是音樂愛好者每年進補好音樂的前驅指標，其中不乏許多才華洋溢和市場人氣兼具的歌手，像是一放上她的專輯就讓你捨不得停下來的Corinne Bailey Rae（2006）、稚氣和才氣成正比的Mika（2007）、即將來台開唱的新生代電器迷幻女伶Ellie Goulding（2010）、還有現場演唱實力和聲線一樣勁爆的Jessie J（2011）。而今年從BBC年度新聲脫穎而出的這位歌手，他則和（2008）名氣最盛的新聲得主Adele有著幾許的相似之處，沒有太過出眾的外形，但光靠一副貫穿靈魂深處的嗓音和搔中癢處的絕妙創作，就足以一鳴驚人、撼動人心，他就是Sam Smith。

透露自己早期幾乎只聽女歌手演唱的Sam Smith，間接練就了極為寬廣的音域和近乎完美的假音，而從小由父母極力栽培的音樂才能，也讓他早早在20歲時，就被英國當紅的電音浩室雙人組Disclosure相中，在單曲《Latch》中展現迷人的唱功，也讓他首次嚐到登上英國單曲金榜的滋味。隔年和Naughty Boy 共同創作的《La La La》則展現出更為強烈的企圖心，唱作俱佳的表現，更上層樓的在單曲榜成功封頂，還一舉在以黑人音樂為主軸的MOBO獎，拿下了年度最佳單曲和最佳音樂錄影帶獎的肯定。

為這張【In The Lonely Hour】揭開序幕的《Money On My Mind》踩著明快的節奏鋼琴和鼓點果決進場，帶有力度的假音聲線，命中表明心志的歌詞敘述，告訴你「我做音樂從不是為了錢、而是為了愛。」而在副歌裡不斷重覆的Money On My Mind沒有經過後製處理，就能唱出如同Auto-Tune般的聽感，也展現出不凡的聲音延展性。《Stay With Me》單用規律的低音鼓敲擊和鋼琴音階，營造出穩定的行進感，極簡的編曲，也讓Sam Smith充滿細節的演唱一覽無遺，而副歌裡加入的福音式合聲，搭配一句句Won’t You Stay With Me? 的卑微詢問，則把歌曲的渲染力到提升到更深一層的境界。《Like I Can》開場吉他刷弦強勁的底韻和態度十足的口吻，再依序加入鼓聲累積層次的曲套、甚至曲末突然的結尾，都讓人有種男生版《Rolling In The Deep》的聯想。《Lay Me Down》用整張專輯裡最為清淡的琴聲點綴，突顯出Sam Smith每一個字句氣息間精準的輕重緩急，而吸魂奪魄的真假音轉換和情緒起伏，是整張專輯的一大亮點。最後進入尾聲的《Restart》呼應歌名，告別前面的陰鬱氣息，重新翻轉到70年代的復古Disco，婉轉的歌聲輕鬆寫意的隨著靈韻流動，絲毫沒有半點違和感的好聽，也讓整張專輯的曲風更加完整多元。

試想一個在22歲就具備上乘演唱功力和創作能力的歌手，不自我設限的去探索對各種音樂類型的嘗試，那你根本不需去猜測他將成為誰的接班人，因為他的未來極有可能遠遠超乎我們預期的無可限量，而這也即將發生在Sam Smith的身上，期待他下一張作品更趨近完美的全能進化。

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教條嚴謹的古典音樂，總是容易給人難以親近的刻板印象，特別對於喜愛速成潮流的時下年輕人來說，不但沒有助性的功能，反倒成了不錯的助眠良藥。相對的，時尚流行的電子舞曲，在某些古典樂發燒友耳裡，也容易被解讀成嘈雜淺俗、缺乏底蘊的機器聲響。而這兩種聽似毫無交集的平行線，究竟有沒有破除藩籬、攜手合作的可能? 我想再你聽過他們的音樂之後，或許會有不一樣的想法，他們是來自英國的Clean Bandit。

四位劍橋的高材生、大提琴手-Grace、小提琴手-Milan、鼓手-Luke、DJ鍵盤手-Jack，加上沒有常駐主唱的編製，實在很難令人以常理來想像樂團風格的搭配，然而這個疑惑，一直到你聽見他們那充滿質感的古典樂曲片段，無論是波希米亞風的德弗札克、情感濃烈的貝多芬、甚至是充滿靈性的莫札特，絕妙的融入在電音浩室的節奏裡，再聰明的找尋最契合創作靈魂的演唱人聲搭配後，全部一掃而空。 

揭開專輯序幕的《Mozart's House》，在置入電子底韻的靈魂成員Jack一開場就破題詢問:「你認為電音很無聊、很愚蠢是嗎?」直搗曲風融合衝突的核心。而當莫札特弦樂四重奏第21號的悠揚琴聲響起，隨著起伏多變的韻律音場，遊刃有餘的肆意交錯穿插，甚至在中段突然把聲音抽離，單純回到弦樂獨奏的設計，都正面的回應了前述的諸多質疑。《Extraordinary》則以唯美的鋼琴前奏和電器人聲的吟唱，營造出蕭瑟的感受，而適時加入的大提琴旋律，更是補上了神來的一筆，正當你認為這會是一首抒情單曲的同時，帶有拉丁舞曲風味的電子節拍，在進入副歌後，再度侵襲單曲的骨幹，反轉所有的聽感，搭配Sharna Bass紮實的靈韻聲線，畫龍點睛的小提琴撥弦，更顯得動感好聽。《Come Over》’讓曲風融合的境界更上層樓，除了招牌的古典電音，再加入熱力十足的雷鬼曲風應援，Grace的聲線在經過後製所呈現的輕柔縈繞感，和Stylo G勁道風味兼具的雷鬼唱腔形成了強烈的對比，而副歌不斷重複的sun sun shine 既可愛又洗腦。最後進入專輯尾聲的《Birch》，Eliza Shaddad空靈的嗓音，飄浮在的綿延不絕的提琴和鋼琴聲線，搭上更為深層精簡的電子重拍，僅僅兩段簡短的歌詞，就營造出的不俗的抑鬱美感，都足以見得樂團強大的製作能力和編曲巧思。 

每一種新曲風的誕生，都代表著一種融合、解構、再重建，而Clean Bandit成功的找到了古典音樂和流行電音之間的甜蜜平衡，或許在他們之後的音樂市場，會有更多以開放合作，取代閉門對立的可能，而對於藝術，本來就不應該有所界線和隔閡的不是嗎?

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Hip Hop（嘻哈）和R&B（節奏藍調）曲風的轉變，前者隨著EDM（電子舞曲音樂）曲風大行其道的現在，在彼此不斷的交融之後，使得兩者的分野曖昧不清。至於節奏藍調曲風演進至今，則是以更嶄新的電子配器、後製效果，所產製出來的內容，逐漸取代以旋律為王的傳統R&B，獲得更多主流市場的關愛。然而就在這一波波後浪推前浪的快速輪替、一聲聲時不我予的感嘆同時，他／她們的再度回歸，不只為傳統節奏藍調注入了一劑強心劑，更強勢宣告，能夠被稱作經典的，無論時代的演進，終究還是無法被輕易的取代。他們幾乎就是90年代R&B的代名詞，他們是 Babyface 和 Toni Braxton。

睽違了近7年沒有發行新專輯的Babyface論過氣還太早，隱居幕後擔任製作人的角色，依舊無法掩蓋外露的才氣和光芒，2013年為Anthony Hamilton製作的《Pray For Me》隨即入圍了葛萊美年度最佳最佳節奏藍調單曲獎的肯定，隔年再上層樓，和Alicia Keys夫妻、Dr.Dre等人聯手打造的【Girl on Fire】專輯，更是一舉奪得了年度最佳節奏藍調專輯的殊榮。至於Toni Braxton在2010年發行了比起前作更為動感取向的【Pulse】專輯之後，雖然成績不俗，但再歷經了身體的諸多微恙和婚姻生活告終之後，則轉戰到電視實境節目和電影圈發展，嘗試了歌手之外另一種身分的演繹。

為新專輯揭開序幕的《Roller Coaster》在Babyface的招牌靈魂呼喊，挾帶著Toni Braxton一絕的低頻氣音開場，耳朵裡一股久違的熟悉，隨即將身體帶進歌詞裡雲霄飛車的高低起伏，主副歌的角色情境切換、精準的交互合聲、恰到好處的音效和副旋律，無一不讓人折服在這美好卻又無奈的愛情輪迴裡。在經過磨合期的變動不安之後，緊接著進場的《Sweat》就是熱戀期的美妙滋味了，在Funky底韻下進行的藍調激情互動，每一個真情流露的鼻息和吟唱都讓人臉紅心跳，卻不流於低俗的色情描繪。而激情過後轉趨沉澱的《Where Did We Go Wrong》僅僅使用一把的木吉他襯底，卻唱出兩個靈魂深處無奈的自白和省思，不過於複雜的編曲不僅貼切主題，更讓兩位歌手的演唱實力一展無遺。

專輯中段，分別由兩首獨唱的單曲，進入故事的轉折，《I Hope That You Okay》Babyface用絕對理性的口吻，搭配冷調的電子成音旋律、簡潔的節奏鼓點，宣告分手後的「祝你一路順風」聽不出絲毫的不捨之情。而 Toni Braxton則站在相對的感性層面，包裝在《I Wish》的標題裡，潛藏在溫暖嗓音和悠美琴聲的背後，卻是一句句的由愛生恨的控訴和咒詛，反差的作法令人玩味，但歌詞的最後，卻又意外的翻轉出些許的憐惜之情，也為後續峰迴路轉的劇情鋪陳，再度埋下伏筆。 

【Love Marriage & Divorce】專輯，在跟上潮流步伐和維持創作初衷的天平兩端，選擇傾倒向後方，沒有華麗的音場設計、不使用過分的後製調整聲線、更沒有置入太多時下動感的電子元素，取而代之的正是溫醇柔順的婉轉旋律和無懈可擊的敘事內容。曲目的安排，隨著主題三部曲「相愛、相守、分離」的順序，呈現出架構完整的起承轉合。至於演唱層面的表現，在各自經歷了生涯起伏之後，所投射出來的情感能量極具說服人心的力道，兩人在獨唱時各自精彩、合唱時又能夠憑藉著先天聲線上的互補，做到不刻意賣弄、不炫技搶功，維持著恰到好處的完美和諧，都讓這張專輯的整體性、主題性和製作水平，超越了市場上大半排場華麗卻不夠精實的節奏藍調專輯，也讓你不得不信服，真正的好酒永遠不嫌老，而且只會越陳越香。

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在台北市中心辦公大樓的透明落地窗，外面是入冬以後的冷冽空氣和行色匆匆不暫留的路人，裡頭則是一張長得可以明顯感受出距離的會議長桌，然而這些似乎都讓人難以體感這個空間裡的溫度，直到一個男生的出現，開始優雅地在你面前架上鍵盤，誠摯的開口說出那句「你好，謝謝你們，希望和你們分享幾首歌，可以認識我的音樂。」接下來的時間，溫度回來了、燈光柔和了，剛剛在窗外的冰冷場景也出奇地轉變成一幅美麗的畫，他有這樣的魔力，他是王大文。

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一個心目中完美的美式生活雛型（Amis Life），從進入一間美感獨特的咖啡廳、點上一杯簡單卻溫暖人心的熱美式、和一個永遠充滿正面能量的阿美族青壯年音樂人開始：「用母語創作是我的理想，但也不用說的像是復興文化那麼嚴肅，最重要的是想讓部落的年輕人，對於自己的母語感到喜歡和認同。」
Suming舒米恩，來自阿美族的音樂鬼才，從 2010 年至今發行的兩張母語創作專輯，以流行多元的曲風包裝百年歷史的阿美族語及文化，突破了大眾對於原住民音樂長久以來既有的印象和框架，企圖讓當地的年輕人再度重視自己的根，而不是盲目的追隨潮流跟風。

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還記得小時候的夢想是什麼嗎？記得在你絕大部分的時間被工作、家庭瑣事綁架之前最想做的事情是什麼嗎？又或者那些那些潛藏在你心中已久的夢想，早就已經隨著人生的消磨、妥協、打包、塵封以後，變成一個多想一分鐘都成為罪過的奢求？如果你的答案是肯定的，那麼請你借給我幾個小時的時間跳脫到他的異想世界裡，因為這很有可能讓你再一次找回那個勇敢做夢的自己，他是Walter Mitty，這是一場穿梭在他幻想和真實之間的美麗冒險。一個身處面臨縮編的雜誌社資深底片處理員Walter（Ben Stiller），16年來窩在公司裡最不起眼的角落，日復一日、兢兢業業的完成手上的工作，而受制於生活壓力的沉重負擔，平日除了做做白日夢以外，就再也沒做過或去過什麼值得一提的大事和地方了，然而就在這關係到自身去留的關鍵時刻，從未失手過的他，卻意外地遺失了整卷底片裡最為重要的封面，於是在女主角Cheryl（Kristen Wiig）的鼓勵協助下，展開了一場追尋浪人攝影師Sean（Sean Penn）找回底片和人生初衷的旅程。

首先場景在昏暗的底片沖映室裡，當Walter望著牆上Sean的照片，竟然活生生的對他招手呼喚，於是下定決心前往格林蘭尋人的那一刻，充滿行進能量感的吉他的刷弦聲響起了，節奏鼓點也隨著主角亦步亦趨的奔跑前進著，進場的是樂團The Arcade Fire的《Wake Up》，隨著合聲詠贊式的吟唱，搭配畫面裡一幕幕浮現雜誌醒世座右銘的場景切換，正如同故事情節，掙脫桎梏、奮起覺醒，踏出第一步的冒險精神。接著場景轉移到當地的卡啦ok小酒館，一個經歷情傷，正發著酒瘋的機師，歇斯底里的唱著80年代英國電子新浪潮樂團Human League的《Don't You Want Me》，有別於原版的復古Disco曲風和劇情所呈現的反差戲謔安排，收入在原聲帶裡，由Bahamas和Tamara Hope重新編曲合唱的民謠版本，則更顯得沉靜耐聽。


然後一個命運性的關鍵轉折在這裡出現了，一向習慣安逸保守、固步自封的Walter，沒有意外的拒絕了瘋狂醉鬼機師的玩命飛行邀請，但這時原本空無一人酒吧舞台，竟莫名的出現了Cheryl的身影，她彈奏著吉他一邊說到：「這首歌要送給Walter，他知道原因的。」而這首歌，正是先前讓他受盡冷嘲熱諷，又意外翻轉意涵成為前進動力的《Space Oddity》，在Kristen Wiig溫暖帶有力量的嗓音，穿插在David Bowie堅定的口吻，隨著讀秒的倒數，一直到做完了最後的確認和祝福：「願上帝與你同在」，就在夾雜著引擎的底噪和螺旋槳的轉動聲，那個封印已久的冒險靈魂，終於牽引著不再膽怯的身軀一躍而上，從飛機上俯視著浩瀚的海洋，交織著雲層裡穿透出來的光暈，這是他在白日夢以外，從來不曾見過的現實美麗。

然而這個屬於Walter的真實冒險才正開始而已，在同樣來自於冰島的獨立流行民謠樂團，Of Monsters and Men的《Dirty Paws》的招牌呼喊聲相伴，踩著腳踏車一覽島上冰火共存、美不勝收的天然景色。以瑞典民謠搖滾樂團Junip的《Far Away》強勁的底韻，乘著滑板從制高點順勢而下，追尋暌違已久的速度感、徜徉在大自然鬼斧神工的驚奇。甚至在Rogue Wave的《Lake Michigan》，踏著輕盈自在的三拍擊掌聲，用一種無可救藥的樂觀，面對重重的關卡，進入阿富汗、攻上喜馬拉雅山頂。而旅程到此，請容許我賣個關子，把接下來的後續結局，留給你親自去一趟戲院和找到這張原聲帶以後，繼續拼接完成。


如同Life雜誌的座右銘 「To see the world, things dangerous to come to, to see behind walls, draw closer, to find each other and to fell. That is the purpose of life.」 開拓視野，看見世界，貼近彼此，感受生活，這就是生活的目的。所以勇敢踩出你那一成不變的生活圈吧，也別再為了任何現實中的挫折和阻撓，放棄你追逐夢想、體驗人生各種精彩的權利了，人正因爲夢想而偉大不是嗎？在走出戲院以後，就帶著這張充滿能量的專輯，開始計劃一場屬於你自己的白日夢冒險吧。

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音樂和人類生活的關係是密不可分的，無論你穿梭在世界各地的巷弄街道、商場市集，只要是把音樂的元素從當中抽離，就會顯得淡然無趣。而體育活動又和音樂有著怎麼樣的交集，舉凡體育頻道的各項賽事，往往都會隨著不同比賽的行進節奏，搭配曲風各異的情境音樂當作襯底。像是棒球比賽，男子漢間的正面投打對決，搭配上睪固酮爆表的硬式搖滾樂就十分對味、籃球比賽隨著攻防轉換的輕重緩急，搭上節奏感同樣鮮明的嘻哈饒舌音樂也顯得合拍。至於衝浪這項有快有慢、可以熱血也可以愜意的海上運動，能夠連結的音樂類型就有更多的想像了，但卻有一位歌手的音樂在這十餘年間，只要一出現就等於是衝浪音樂的正字標記，因為他把衝浪運動和音樂創作，身體力行又完美合一，他就是Jack Johnson。

延續著每兩、三年發行一張專輯的步調，在2013年發行的這張最新專輯【From Here From Now To You】是Jack Johnson個人的第六張作品，在曲風的呈現依舊沒有太多令人意外的改變，沿襲著前面幾張專輯的從容自在、風和日麗。在開場的首波主打單曲《I Got You》由緩和的吉他打板加上悠閒的口哨聲揚起整張專輯的序幕，簡易的和弦行進，搭配記憶點滿分的關鍵句，在Jack Johnson不加造作的歌聲裡，聽到的是有你萬事足的真摯情感。曲風更顯抒情、同樣在表達雋永愛意的《Never Fade》則把行進的吉他替換成音色更為清亮的烏克麗麗，再依續加入了不過分搶戲的敲擊樂器、Bass和鐵琴，堆疊出更為豐富的層次。

帶有速度感的《Shot Reverse Shot》以風味獨特的Dobro琴肆意流動，創造出悠遊自在的聽覺感受，明快的吉他切分音和掌聲所建構的鮮明韻律，搭上富有趣味的歌詞和斷句處理，讓整首單曲好玩又好聽。《Tape Deck》Jack Johnson則化身為幽默的說書人，把成立樂團期間的糗事一籮筐，從主唱到鼓手一個都不放過的自我嘲諷了一番，而加入了詼諧的風琴點綴增添戲劇感，也頗有畫龍點睛的效果。

長期以來致力於心靈探索，同時重視環境議題的他，也繼續藉由著這張專輯，傳達出心目中理想世界的精神。《Ones And Zeros》就利用藤蔓和酒暗喻科技創造出來的便捷生活固然美好，卻也一步步的在侵蝕、改變著我們知足常樂精神層面。而為專輯收尾的《Home》則開跋到戶外收音，用人聲、音樂聲，應和著蟲鳴鳥叫和一切的天然聲響，讓音樂回歸大自然懷抱、最均衡的美妙。


這張在衝浪閒暇之餘信手拈來，用太陽能錄音室錄音、再生紙包裝、大豆油墨印製的專輯，沒有令人耳目一新的弦律、繁複的編曲，甚至華麗外衣，卻能在發行首周，就拿下近期競爭相當激烈的美國告示牌空降冠軍專輯，原因無它，回歸到音樂的基本面，從心出發，越是簡單平凡，越是深入人心。最後就無視那些對他音樂永遠千篇一律的評論吧，至少在音樂市場完全被商業精緻化專輯宰治的那天到來以前，我們應該慶幸，至少還有Jack Johnson。

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搖滾樂的剛硬和反骨批判精神，相信第一時間很難讓人和溫婉細緻的女生（聲）連結在一塊，當然這樣的刻板印象，除了先天的生理結構差異之外，似乎也嗅得出些許男性沙文主義作祟，特別在你聽過Evanescence（伊凡塞斯）主唱Amy Lee和Night Wish主唱Tarja Turunen、Anette Olzon 細節和張力兼具的演唱，甚至在主流市場裡的Kelly Clarkson、Demi Lovato或是P!nk，在流行搖滾單曲裡高音力道無極限的猛爆聲線後，都能輕易的破除你對女生無力駕馭搖滾樂團的偏見。然而還有另一位14歲時就被唱片公司簽下，卻堅持要以樂團女主唱發聲的個性女孩，一路上堅持著她絕不輕易妥協的搖滾精神前進，她就是Paramore的主唱Hayley Williams。

Paramore 2005年的首張專輯【All We Know Is Falling】初試啼聲時，在北美當地並沒有獲得太多的關注（Billboard 200專輯榜無上榜記錄），而流暢但不落俗套的樂風卻意外的對英國聽眾的胃口，因此打進英國金榜搖滾專輯榜第8名。自此之後以每兩年一張作品的步調發行專輯，靠著Hayley高辨識度的超齡嗓音和搶眼外型，搭上搖滾、龐克曲風大行其道的推波助瀾，很快的就在市場佔領一席之地，2007年的【Riot!】和2009年的【Brand New Eyes】也在英美兩地雙雙創下佳績。

2010年正當大家還沉浸在Hayley和B.O.B.合作的暢銷金曲《Airplanes》，引頸期盼第四張專輯誕生時，卻盼到了創團的靈魂兄弟檔Josh和Zac離團的消息，歌迷們無不震驚愕惋，而Paramore樂團的後續發展更是令人堪憂。就在大家臆測年輕有實力的Hayley這次很有可能會放下Paramore的招牌和桎梏，重新選擇單飛出擊時，她又再度跌破眾人的眼鏡，選擇和Jeremy、Taylor以三人樂團的型態，在睽違了四年之久發行了改組後的首張同名專輯【Paramore】浴火重生。 


專輯開門見山的《Fast In My Car》強勁的底韻，配合電吉他刷弦和效果器模擬出的機械感音階，讓人有在夏日午後的公路肆意巡行的畫面感，中間的solo橋段Hayley隨興的嘶吼，配合放下過往繼續前行的歌詞，一掃炎熱的煩悶氣息。緊接而後的首波主打單曲《Now》，又讓你找回熟悉的招牌另類搖滾風味，無論是主歌配合節奏斷點鏗鏘有力的唸唱，或是在副歌情緒炸裂的主旋律演唱，都讓整首單曲的張力和渲染力十足。

至於幾首歌詞帶有強大正面力量的單曲，像是要你勇敢逐夢的《Daydreaming》、永遠相信明天會更好的《Last Hope》，都巧妙的運用編曲的層次堆疊，漸進式的把旋律的豐富度，和節奏的強度做了恰到好處的安排，搭上Hayley極具說服力的口吻和歌聲，讓實踐夢想時各個階段的突破和成長做了很好的連結。

最後專輯主打的流行搖滾單曲，像是歌詞甜蜜的一清二楚，曲風加入的是New Wave還是Cha Cha卻傻傻分不清楚，但卻碰撞出新奇滋味的《Still Into You》；點綴俏皮的敲擊樂器，一次混進Funk、Swing，甚至靈魂福音大合唱的《Ain't It Fun》；還有曲風青春無敵，歌詞就是要你放膽做自己的《Anklebiters》，都是洗腦功力一流，相當具有攻占單曲榜實力，讓你一聽就上癮的作品。

塞翁失馬焉知非福的Paramore，在少了兩位團員後，卻也獲得了更大的創新改變空間，不可否認他們的新作更加貼近流行市場，也更加通俗了，但從專輯裡豐富多元的內容、毫不馬虎的細節編排，甚至Hayley對於各種新曲風的嘗試和突破，都是相當值得肯定和讚賞的，這樣的改變並不是企圖想討好聽眾或是市場的美麗空殼而以，而是一個重新成長進化之後破繭而出的成功蛻變。

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